Marty Supreme ha definido 2026, consolidando a Timothée Chalamet como ganador del Globo de Oro y líder de taquilla. El éxito comercial del film, que ha superado a proyectos de alto presupuesto, se une al trabajo hiperrealista de la diseñadora de vestuario Miyako Bellizzi para crear un mundo de personajes auténticos que está resonando con el público.
La autoridad de Timothée Chalamet en la taquilla de 2026
El año 2026 es el año de Timothée Chalamet. El actor ha demostrado ser la fuerza dominante en la taquilla, superando a Leonardo DiCaprio en ingresos brutos, una racha ganadora que comenzó a principios de la temporada de premios.
Chalamet, que interpreta a Marty, un aspirante a campeón de tenis de mesa en la épica cinematográfica, ganó su primer premio Golden Globe el domingo por la noche en la categoría de Mejor Actor Masculino en un musical o comedia, tras haber sido nominado cuatro veces previamente. Este triunfo intensificó la actual rivalidad con DiCaprio.
La eficiencia económica de Marty Supreme
Según Global Box Office, una página de X que rastrea noticias y críticas de taquilla mundial, Marty Supreme ha recaudado $72.3 millones. Su costo de producción fue de aproximadamente $65 millones.
Este rendimiento supera a One Battle After Another de DiCaprio, que, aunque tuvo un presupuesto de $140 millones, solo logró $71.6 millones en ingresos brutos. Según The Daily Mail, lo más llamativo es que la película ganadora del Globo de Oro de Chalamet costó literalmente la mitad del presupuesto utilizado para realizar el proyecto de DiCaprio. Esto testifica la aceptación comercial general de Marty Supreme.
La victoria en el Golden Globe fue un momento de camaradería. Durante una pausa comercial, DiCaprio se acercó a felicitar a Chalamet por su triunfo y lo abrazó, intercambiando algunas palabras con el novio de Kylie Jenner. Chalamet, por su parte, le dijo a DiCaprio que se sentía muy inspirado por sus trabajos. Los dos posaron para una foto, sellando su solidaridad. Chalamet es especulado para llevarse la estatuilla de oro de 24k en los Óscar, donde probablemente se enfrentarán de nuevo en la categoría de Mejor Actor.
Hiperrealismo y el lenguaje secreto del vestuario
La diseñadora de vestuario Miyako Bellizzi, cuyas colaboraciones previas con el director Josh Safdie incluyen Good Time y Uncut Gems, lideró el monumental esfuerzo de vestir a miles de intérpretes en Marty Supreme. El vestuario, desde los trajes zoot holgados de Marty hasta la corbata estampada del adyacente a la mafia Ezra Mishkin, busca señalar la identidad, el mundo que habitan y sus aspiraciones.
En el film, el equipo tuvo que vestir a personas de mundos múltiples: equipos internacionales de tenis de mesa, multitudes de época en Japón, asistentes a veladas de etiqueta en la zona alta y la gente de las bulliciosas calles del Lower East Side.
La filosofía de Miyako Bellizzi: De la moda al cine
Bellizzi, quien está ansiosa por ver la respuesta del público internacional a la película, comparte que nunca consideró el diseño de vestuario como una carrera. Ella comenzó en la moda, específicamente en la ropa masculina, con la idea de convertirse en editora de moda.
Entre 2009 y 2010, Bellizzi estuvo realizando mucho trabajo de video en Vice. Incluso en las historias de moda, ella y su equipo usaban personas reales, nunca modelos. Este enfoque, que ella describe como casi “anti-moda”, la llevó a sus primeros trabajos cinematográficos, incluyendo Good Time con Josh y Benny Safdie, y después Patti Cake$. Ambas películas llegaron a Cannes el año siguiente, lo que le abrió los ojos al potencial del vestuario.
Diseñando las mil caras de Nueva York y más allá
El trabajo de Bellizzi se siente vivido, como si los personajes pudieran bajar caminando directamente de la calle. Esto se debe a su búsqueda de autenticidad. Trabajar con Josh y Benny le ha enseñado mucho sobre el hiperrealismo y la inmersión total en un mundo. Para Uncut Gems, Bellizzi pasó cerca de un año en la Calle 47, conociendo a todos en el bloque.
Para Marty Supreme, el desafío fue mostrar las distintas culturas. Nueva York, especialmente el Lower East Side en ese período, era un epicentro cultural y a menudo era el primer lugar que la gente veía al llegar. Bellizzi buscó reflejar las influencias globales:
- Influencias internacionales: Una vez que tuvo la lista de países para los jugadores de tenis de mesa, investigó Londres, Tokio, Brasil y Europa del Este para ver cómo esos estilos informaban los uniformes.
- Lower East Side: Se mantuvo una paleta de color neutral específica. Los detalles se expresaron a través de la construcción del personaje: “¿Qué aspecto tiene un chef chino fumando un cigarrillo en el callejón?”. Se consideraron las mujeres de Europa del Este, las madres judías y la influencia de la comunidad china en el primer Chinatown. El lugar más colorido era el mundo de Rachel.
La obsesión por los uniformes y el estilo aspiracional de Marty
Bellizzi se reconoce como una gran coleccionista de uniformes y afirma que en cada película que ha hecho hay alguno. Le fascina lo que un uniforme comunica; por ejemplo, un cocinero en Francia se ve muy diferente a uno en el Nueva York de 1970.
En Marty Supreme, los uniformes están por doquier: Pan Am, acomodadores de teatro, trabajadores de bolera. El propio Marty está casi siempre en algún tipo de uniforme, al igual que Kay.
Las ropas de Marty, quien tiene alrededor de 21 años, se sienten aspiracionales. Viste la versión de sí mismo que quiere llegar a ser, a menudo con prendas un poco grandes, piernas anchas y hombros sobredimensionados, como un niño vistiéndose con ropa de hombre. Bellizzi explica que esto refleja la sensación de autosuficiencia casi delirante de un joven de esa edad con grandes sueños, como ser el jugador de tenis de mesa número uno del mundo.
Marty no obtuvo su sentido del estilo de su trabajo en la tienda minorista de su tío, ya que detestaba ese empleo forzado. Su influencia es la Ciudad de Nueva York, el Lower East Side, y su naturaleza de “hustler”. Aunque creció en un edificio de inquilinos y fue criado por su madre y apoyado por su tío, siendo muy ingenioso, si conseguía dinero, lo gastaba todo en un buen traje.
El vestuario de Gwyneth Paltrow
Paltrow interpreta a una antigua estrella de cine legendaria, pasada de moda, que intenta reinventarse a través del teatro, representando el polo opuesto del mundo de Marty. Solo tuvo unos cinco looks principales. Bellizzi quiso mantenerla clásica y chic. Evitó el uso de pieles pesadas (mink) para evitar la asociación inmediata con el icónico vestuario de The Royal Tenenbaums, aunque reconoció que las mujeres de ese período hubieran usado pieles. El tweed fue clave para su primer look, asociándolo con el invierno londinense.
Tyler, the Creator como Wally
Bellizzi afirma que Tyler, the Creator, estaba hecho para una película de los años 50, pues su estilo personal ya refleja esa época. El desafío fue transformarlo en Wally, un taxista de Harlem. El actor, a quien Bellizzi ya conocía, estaba muy inspirado y amó las pruebas de vestuario, revisando las perchas “como un niño”.
Las mujeres de la película
Aunque las películas de Safdie suelen ser de peso masculino, Marty Supreme ofreció una amplia gama de personajes femeninos. Bellizzi, quien es mitad japonesa, encontró especial significado en las escenas ambientadas en Japón. Destaca el traje de falda gris de la acomodadora en la escena final y las chicas vestidas de rosa, para quienes hicieron y tiñeron camisas a medida para lograr el tono exacto. También adoró a los niños en ropa de época, especialmente en la escena del aeropuerto militar al final.
Dedicación extrema: El precio de la autenticidad en el set
Los premios que ha estado recibiendo Chalamet, incluyendo el Critics’ Choice, son prueba de su dedicación al oficio. The Blast afirmó que el actor se presentó para hacer un trabajo impresionante, incluyendo una escena ligeramente dolorosa.
En un momento, Chalamet se enfrentó al desafío de recibir un golpe de la paleta de su coprotagonista Milton Rockwell (interpretado por Kevin O’Leary) en su trasero desnudo. El plan original era usar un doble de acción y una paleta falsa, pero el utilería se dañó. Chalamet propuso hacerlo él mismo: “Timmy entró [y] dijo: ‘No, tiene que ser mi culo. Voy a inmortalizar mi culo en la película a perpetuidad’”.
El director, según O’Leary, pidió un golpe más fuerte para aumentar el realismo. O’Leary recordó que el ojo de su compañero casi “explotó” en el momento en que “clavó su mejilla derecha”. O’Leary elogió su compromiso, diciendo que el actor merecía un Óscar por su brillantez.
Anécdotas con actores de reparto y el desafío del método
Chalamet, durante una entrevista junto a Robert Downey, recordó una experiencia que lo dejó marcado: sus desafíos al trabajar con actores que no son profesionales.
En su intento por conseguir que un actor de fondo se inclinara hacia su lado emocional y se enojara para que una escena fuera más realista, Chalamet presionó. “Hice otra toma, y luego el tipo dijo: ‘Acabo de salir de la cárcel después de 30 años. Realmente no quieres meterte conmigo. No quieres verme enojado’”, detalló Chalamet. Confesó que el cambio instantáneo en el tono del actor de fondo lo dejó sacudido y preguntándose de dónde lo había conseguido el director.
Menciones personales de Chalamet
En sus discursos de aceptación, Chalamet ha agradecido a su padre por inculcarle la gratitud. En los Critics’ Choice Awards, unos días antes del Globo de Oro, agradeció públicamente a su pareja, Kylie Jenner, refiriéndose a ella como su “pareja de tres años”: “Y por último, solo diré ‘Gracias’ a mi pareja de tres años. Gracias por nuestra fundación. Te amo. No podría hacer esto sin ti”. Jenner, vestida de dorado, respondió con los ojos llorosos, “Te amo”. En su discurso del Globo de Oro, cerró diciendo: “Por mis padres, por mi pareja, los amo. Muchas gracias.”
El logro de Chalamet es ya un triplete en 2026. La fusión entre la dedicación a los personajes, vista en los detalles obsesivos del vestuario de Miyako Bellizzi y el compromiso físico y emocional de Timothée Chalamet en el set, es la que ha impulsado la aceptación crítica y la supremacía económica de Marty Supreme. Esto subraya que la autenticidad hiperrealista, por dolorosa o costosa que sea la inmersión, es el verdadero motor del éxito narrativo moderno. ¿Podrá este enfoque tan tangible y humano ser replicado por los grandes estudios en el futuro cercano?
